Art + Design. Esprit, humour et WOW

Lors de quelques soirées froides de novembre à New York, des milliers de connaisseurs d'art bien nantis, collectionneurs, galeristes (et leur personnel), décorateurs d'intérieur et autres qui aiment un bon cocktail et des objets d'art époustouflants ont convergé vers le parc. Avenue Armory à OMG, OOO et AhAha sur des œuvres originales d'une grande beauté (et à des prix avantageux) pour collecter des fonds pour des œuvres caritatives (y compris la Dia Art Foundation et Planned Parenthood NYC). Ruinart, Goyard, Lalique et InCollect ont participé en tant que sponsors de l'événement.

Cinquante-six galeristes de 11 pays (dont les États-Unis, l'Europe, le Royaume-Uni, l'Allemagne, la Belgique, la France, le Danemark, l'Italie, Monaco, les Pays-Bas, l'Afrique du Sud, l'Espagne et la Suède) de 30 galeries internationales - ont présenté une approche globale au modernisme. Le salon présentait (pour achat et admiration) des meubles historiques, modernes et contemporains, des créations originales et de l'art de la fin du XIXe et du XXe siècle.

 Valeur de l'économie créative

En 2015, la valeur de la production artistique et culturelle aux États-Unis était de 763.6 milliards de dollars, soit 4.2% du produit intérieur brut. Les arts contribuent davantage à l'économie nationale que la construction, les mines, les assurances, l'hébergement et les services alimentaires.

• Les artistes créatifs sont un atout économique aux États-Unis et en 2015, grâce aux artistes, les États-Unis avaient un excédent commercial de 20 milliards de dollars en arts et produits culturels (l'Amérique a exporté 63.6 milliards de dollars et importé 42.6 milliards de dollars d'arts et de culture).

 

• Les consommateurs de l'économie créative dépensent plus de 102.5 milliards de dollars pour les arts, y compris les biens et services, les billets d'entrée, la nourriture, l'hébergement et les cadeaux (2017).

 

• Le secteur des arts et de la culture fournit un grand nombre d'emplois (4.9 millions en 2015), représentant 3% de tous les emplois aux États-Unis, qui, collectivement, ont payé 372 milliards de dollars aux travailleurs.

Les États prospèrent des arts

Parmi les États, les arts représentent la plus grande part de l'économie de Washington, 7.9% ou 35.6 milliards de dollars. S'appuyant sur l'industrie du cinéma et de la télévision, l'économie de l'art de la Californie est celle qui rapporte le plus d'argent parmi les États, avec 174.6 milliards de dollars (7%).

New York se classe deuxième dans les deux catégories, les arts rapportant 114.1 milliards de dollars (7.8%) à l'économie. Les 462,584 46.7 travailleurs des arts de l'État ont gagné un montant collectif de 2015 milliards de dollars (XNUMX).

Le Delaware dépend le moins des arts, qui ne représentent que 1.3% de l'économie de l'État, soit 900 millions de dollars.

L'événement: Le Salon Art + Design Show

Étant donné que de nombreux artistes présentent leurs œuvres les plus récentes lors de cet événement, elles figurent en tête de la liste des choses à faire dans le monde de l'art. J'aurais aimé acquérir à peu près toutes les pièces exposées, mais le temps, l'espace et les ressources limitées interdisent cette activité; cependant, je peux recommander quelques-unes de mes activités préférées.

Sélection organisée

1. Molly Hatch. Todd Merrill & Associates Studio. New York

Molly Hatch apporte le WOW à l'art contemporain. Elle a transformé ce qui avait été un cliché (plats peints muraux populaires dans les années 1940) et transformé le concept en œuvres d'art de collection qui correspondent au style de vie millénaire (mobile, libre et changeant).

Les assiettes suspendues étaient une manière traditionnelle de présenter de la vaisselle décorative et faisaient partie de nombreuses cultures de l'Europe à l'Asie. Il y a des siècles, les étalages élaborés d'assiettes dans une maison étaient un signe de richesse et de statut social élevé.

Aujourd'hui, Hatch conçoit ses assiettes pour être accrochées aux murs afin qu'elles puissent être observées et admirées. Son palais surdimensionné et axé sur les couleurs encourage les téléspectateurs à reconsidérer ce qui est nouveau et ce qui est maintenant; ce qui était ordinaire est maintenant extraordinaire.

Hatch est née en 1978. Sa mère était peintre et son père, producteur laitier biologique. Elle a étudié le dessin et la céramique, obtenant son BFA à la Museum School de Boston, MA. Après l'université, elle a travaillé avec la potière Miranda Thomas au Vermont et des résidences de céramique se sont poursuivies aux États-Unis et aux Antilles. Sa maîtrise en céramique est de l'Université du Colorado, Boulder. En 2009, elle a reçu la résidence d'arts / industrie en poterie au John Michael Kohler Arts Center dans le Wisconsin.

Hatch travaille actuellement depuis son studio à domicile à Northampton, MA. En plus de la céramique, elle est écrivain, artiste-designer et crée des modèles de tissus, des meubles, des bijoux, des estampes, des dessins à la plume et à l'encre et des peintures. Elle s'inspire des tendances historiques en matière de tissu, de police, de céramique et de mobilier, reconnaissant un style de vie contemporain qui comprend des clins d'œil au hip-hop, des paroles de chansons indépendantes, des messages texte et des colloques collectés.

2. Hubert Le Gall. Galerie du XXIe siècle

 

Le designer français Hubert Le Gall est né à Lyon en 1961. Il était diplômé en management à l'université et après avoir obtenu son diplôme, il a déménagé à Paris (1983). En 1988, il a commencé à peindre et à sculpter, en concevant des meubles qui étaient des clés de frontière, liant la poétique et la fantaisie au fonctionnel.

Il s'inspire de ce qui est surréaliste mais avec des chuchotements (et des cris) aux civilisations grecque et romaine, du XVIIIe siècle français, de l'Empire, de l'Art Nouveau et de l'Art Déco. Il a également été inspiré par Salvador Dali, Jean Cocteau, les surréalistes et Max Ernst.

Son travail a reçu des applaudissements internationaux en 1995 lorsqu'il a été découvert et promu par la galeriste Elisabeth Delacarte. Sa première exposition a eu lieu à la galerie parisienne Avant-Scene et les œuvres exposées (y compris les marguerites et les commodes fleuries) sont devenues précieuses comme ses pièces de signature.

3. Rich Mnisi. Afrique du Sud

 

Né en Afrique du Sud, Rich Mnisi a démarré son entreprise en 2014. Il est reconnu comme un chef de file de la science de la mode et reconnu comme le jeune créateur international de la mode africaine de l'année (2014).

La séduisante chaise en cuir de Mnisi prend la forme de celle de Nwa-Mulamula (The Guardian) représentant la présence de son arrière-grand-mère. C'est son existence et ses enseignements qui durent pour toujours à travers la narration, génération après génération. Le tabouret, en forme d'œil avec des flaques d'or, »… représente ses larmes, qui n'ont jamais été vaines. Sans sa douleur et ses expériences, je n'existerais pas. Je ne pourrais pas être la personne que je suis aujourd'hui »(Rich Mnisi).

Les formes sensuelles sont intemporelles et leur essence est uniquement africaine tout en étant universellement fascinante.

4. Reinaldo Sanguino. Future Perfect Gallery. La ville de New York.

 

Reinaldo Sanguino est né au Venezuela et travaille actuellement à New York. Ses œuvres d'art et de céramique rendent hommage au dynamisme de son environnement et chaque pièce unique utilise le médium de l'argile à la fois comme structure et comme toile.

Sanguino est diplômé de l'École des arts visuels Cristobal Rojas de Caracas, Venezuela. Il a développé sa technique en se basant sur son intérêt pour la porcelaine de Meissen et son importance dans l'histoire européenne. Il est inspiré et influencé par la peinture de style graffiti et son travail retient l'attention en raison des couleurs vibrantes, des textures et des matériaux malléables.

En 2007, il a été nominé pour la Biennale Louis Comfort Tiffany et l'un des artistes participant à la 5e édition 2007-2008 de la Biennale El Museo Del Barrio, «the (S) Files» à New York.

Les œuvres de Sanguino ont été exposées à la Sultan Gallery, dans le cadre du Dean Project New York; le Museum of Arts & Design, New York; le Musée des Beaux-Arts de Houston, Texas; le MINT Museum de Charlotte, Caroline du Nord et le Minneapolis Institute of Arts, Minneapolis, Minnesota. Il a fait ses débuts au Design Miami / avec The Future Perfect (2017).

5. Pamela Sabroso et Alison Siegel. Galerie Heller. New York

Pamela Sabroso a obtenu son baccalauréat en études de l'artisanat et des matériaux de la Virginia Commonwealth University (2007) et Alison Siegel a obtenu son baccalauréat en beaux-arts de l'Université d'Alfred (2009). Actuellement, ils vivent et travaillent à Brooklyn, New York.

Ils ont commencé à travailler ensemble en 2014, constatant que leurs idées émergent et fusionnent à travers des dessins, des discussions et la matérialité de travailler en étroite collaboration. Ensemble, ils sont aventureux et apportent une nouvelle qualité fraîche et unique à chaque objet qu'ils créent. Les œuvres finales sont amusantes, intelligentes, animées, non conventionnelles et attachantes. Travaillant définitivement au 21ème siècle, ils partagent une liberté créative qui a ses racines dans le mouvement américain des premiers verres de studio.

Les travaux à forte intensité de main-d'œuvre commencent par la fabrication de pièces et de moules en cire pour le soufflage du verre et s'étendent au soufflage du verre. Sabroso, discutant de son travail avec Siegel, «… pour être créatif, vous devez vous permettre d'être vulnérable. Lorsque vous êtes honnête sur qui vous êtes, vous révélez une perspective unique et étrange. Nos créations combinées sont Stranger Together. »

6. Frank Lloyd Wright. Bernard Goldberg Beaux-Arts. New York

Wright est né à Richland Center, Wisconsin (1867). Au cours de sa carrière de 70 ans en tant qu'architecte, Wright a créé plus de 1100 designs. Bien qu'il entre à l'Université du Wisconsin (1885) et étudie le génie civil, il est rapidement devenu insatisfait de ce domaine. Lorsqu'il a travaillé pour Joseph Silsbee sur la construction de la chapelle de l'Unité, il a réalisé sa passion pour l'architecture.Il a donc déménagé à Chicago et a fait son apprentissage avec le cabinet d'architectes Adler et Sullivan, travaillant directement avec Louis Sullivan (1893).

Il a ensuite déménagé à Oak Park, dans l'Illinois, et a commencé à travailler à partir de son studio à domicile où il a développé un système de conception développé à partir d'unités de grille avec un accent sur les matériaux naturels qui est devenu connu sous le nom de Prairie School of Architecture.

Au cours des années 1920-1930, il a passé son temps à enseigner et à écrire. En 1935, il a commencé à travailler sur Fallingwater, son design résidentiel le plus célèbre. Dans les années 1940-1950, il s'est concentré sur les conceptions usoniennes qui reflétaient sa croyance en l'architecture démocratique, offrant des options résidentielles pour la classe moyenne.

En 1943, il a conçu le Solomon R. Guggenheim Museum à New York. Le musée a ouvert ses portes en 1959, six mois après sa mort et est considéré comme son œuvre la plus importante.

La Bernard Goldberg Fine Arts Gallery de New York a été créée en 1998 par un avocat new-yorkais. Aujourd'hui, la galerie se spécialise dans l'art américain (1900-1950), y compris les peintures, les sculptures et les œuvres sur papier ashcan, moderniste, réaliste urbain, réaliste social et régionaliste.

Le Hoi Polloi participant à l'événement

 

Cherchez le Salon en novembre 2019. Réservez tôt… c'est un événement incontournable pour tous ceux qui trouvent les mondes de l'art et du design fascinant.

© Dr Elinor Garely. Cet article sur les droits d'auteur, y compris les photos, ne peut être reproduit sans l'autorisation écrite de l'auteur.